Time and the Essence

Un logo, imprimé sur un fortune cookie, que j’ai immédiatement associé au festival celtique de ma ville natale (à tort, s’est-il avéré). Un autre qui me rappelle un dessin animé de mon enfance, je ne sais plus lequel. Des gouttes d'eau amorphes qui prennent vie lorsque je joue avec un marque-page lenticulaire. Il y a même la police de caractère du logo présent sur les CD, en surimpression sur un texte déroulant qui imite la célèbre ouverture de Star Wars. Ces quelques exemples illustrent l’étendue des idées explorées par l’identité visuelle du Bad Bonn Kilbi, un festival de musique spécialisé dans le rock alternatif (expérimental, bruitiste et d’autres genres avant-gardistes). Les conceptrices graphiques, Adeline Mollard et Katharina Reidy, ont décliné cette identité pendant 12 ans à travers de nombreux concepts.

Il semble donc que certaines choses s’améliorent avec le temps. Je ne porte pas un regard nostalgique sur un lointain passé ou un soi-disant âge d’or du design, mais je pense au contraire aux projets et aux mandats pour lesquels la durée joue un rôle particulier. La plupart d’entre eux sont des exceptions à ce qui constitue généralement le travail des designers, le mandat ponctuel. Certains se nourrissent de la relation fructueuse du designer et de son client, qui se transforme en collaboration régulière, d’autres doivent leur existence à des contrats de trois ans. Cependant, certains projets sont intrinsèquement déterminés par des cycles. C’est le cas des collections de mode et des publications dont le nombre de parutions est défini. Enfin, d’autres projets se développent à partir de l'intérêt personnel du designer et s’étendent sur plusieurs années.

Il semble évident, au regard des propositions de Mollard et de Reidy pour le Kilbi, que les deux créatrices se sont progressivement tournées vers l’expérimentation. Il est vrai que l’ouverture d’esprit du client était également cruciale pour développer ces identités visuelles innovantes. Festival à succès, le Kilbi ne se prend pas pour autant trop au sérieux. Les conceptrices expliquent que les «souhaits des sponsors, les ventes de billets ou l’ordre d’apparition des vedettes – exigences majeures pour beaucoup de clients – sont secondaires ou, du moins, ne contrôlent pas le processus créatif.» Grâce à cette marge de manœuvre, elles ont pu développer progressivement des identités qui ont repoussé leurs limites d’année en année. Mollard et Reidy peuvent ainsi utiliser le mandat en cours comme exercice de style. Elles transforment cette commission en plateforme de recherche et entreprennent des expérimentations, résultat du long engagement du client.

Le travail du collectif de design graphique Eurostandard pour le festival culturel avant-gardiste Les Urbaines semble confirmer la possibilité d’expérimenter permise par les projets sériels. Dans le cadre de leurs trois mandats consécutifs pour le festival, Ali-Eddine Abdelkhalek, Pierrick Brégeon et Clément Rouzaud ont créé un programme visuel sur le thème de la technologie. Dès le début, les designers ont imaginé son identité comme un ensemble d’outils et de processus qui modèleraient de nouvelles images à partir du matériau source du festival. L’idée était de refléter la vision hybride des organisateurs des Urbaines et leur promptitude à prendre des risques en programmant des arts émergents. L’identité devait fonctionner comme une série de «selfies altérés». Ces modes de représentation font directement écho aux questions de genre et d’inclusivité soulevées par le festival. De manière assez légitime, l’identité est vue comme une contribution au programme du festival.

La mode fonctionne par cycles. Cette industrie a toujours suivi un tempo particulier, qui s’est accéléré au cours des dernières années pour atteindre un rythme effréné. Déjà en 1937, James Laver, historien de la mode, a tenté de trouver un sens à ces cycles. Il a estimé que 50 ans étaient nécessaires pour qu’une chose revienne à la mode. Dans les années 2000, selon la sagesse populaire, ces cycles duraient plutôt 20 ans. De nos jours, la durée de ceux-ci se comptent en chiffre. Les saisons ont elles aussi été réduites: de deux par an, il semble que l’industrie soit passée à 52. Beaucoup de designers ont des points de vue divergents sur ce système, qui s’oppose au climat géopolitique actuel. Rafael Kouto est l’un d’entre eux, et son travail offre une vision différente de la sérialité. Le nom de sa collection, «Wishing This World Will Last Forever» («Espoir que ce monde dure toujours»), sous-entend déjà que les choses ne demeureront pas telles qu’elles sont. Ce titre résonne de manière encore plus inquiétante aujourd’hui, bien qu’il fasse référence, à l’origine, à des questions plus larges, telles que l’instabilité apportée par l’insécurité, le réchauffement climatique ou les changements politiques. Kouto travaille en recyclant les déchets textiles et les invendus pour créer de nouvelles pièces. Dans sa collection, il se demande comment il est possible de prolonger une période de prospérité dans un monde dont les cycles naturels ont été brisés. Sa réponse tient dans l’introduction d’un nouveau type de cycle: l’économie circulaire.

Les cycles à éditions limitées sont parfois la meilleure manière de s’assurer du succès d’une saison. Depuis le début, le Migrant Journal a décidé de se limiter à six numéros de son magazine. Cette série clairement définie était vitale pour trois raisons. Cela a permis à l’équipe d’avoir assez de temps et d’espace pour explorer le thème de la migration, tout en la forçant à publier deux fois par an, ce qui a préservé la fraîcheur des contributions. Cela a également eu un effet boule de neige, chaque numéro attirant de plus en plus de lecteurs et de contributeurs, un avantage qu’un livre unique ne peut pas reproduire. Enfin, la limite établie était aussi une façon pragmatique de s’assurer que l’énergie ne serait pas épuisée dans un projet sans fin. Dans un monde de suites infinies, leur engagement à proposer un cycle limité est une pause bienvenue.

D’un autre côté, certains projets ne peuvent se targuer d’avoir une fin bien définie. C’est souvent le cas des photographes qui travaillent sur une série. À partir d’une échelle initiale en millisecondes, celle de leur vitesse d’obturation, ils ont développé des projets qui peuvent produire des milliers d’images s’étendant sur plusieurs années. Par exemple, depuis 2014, Tomas Wüthrich travaille sur une série avec les Pénans de Bornéo. Bien qu’il ait publié un livre, sa présentation suggère que le projet est toujours en cours. Son travail est également intimement connecté aux différentes échelles de temps. En examinant l’impact de la modernité sur la vie quotidienne du peuple pénan, Wüthrich doit redéfinir un arrière-plan historique qui remonte aux années 1950. Le projet est intimement mêlé à leur histoire et à leurs aspirations pour le futur.

La proposition de Sabina Bösch fait se rencontrer l’instant présent et les récits historiques. Son projet photographique examine une évolution de la lutte suisse qui n’a pas encore rencontré une adhésion majeure. Ce sport est un pilier de la culture alpine depuis le XVIIe siècle au moins, et est traditionnellement réservé aux hommes. Cependant, l’intérêt des femmes pour ce sport existe depuis longtemps et, fort de ses 15 000 spectateurs, le premier tournoi de lutte féminin de 1980 a eu un grand succès. Néanmoins, les lutteuses féminines se battent encore pour être reconnues. Elles sont critiquées par les traditionnalistes et on leur refuse même le droit de se battre dans la même arène que les hommes durant le tournoi national, la Fête fédérale de lutte. Bösch a suivi l’équipe féminine pendant une saison. Ses images transmettent l’immense énergie de ce sport: jets de sciure, visages déformés et corps contorsionnés. En cadrant ses photographies de telle sorte que le genre ne soit pas au premier plan, Bösch capture l’instant et revendique une place pour ces athlètes dans la longue histoire de ce sport.

Bien entendu, les projets de longue haleine ne sont pas exempts de défis. Ils peuvent durer indéfiniment si l’on est son propre client. Si beaucoup de graphistes ont un site temporaire (quand ils en ont un), c’est qu’ils ont l’impression que le projet n’est jamais prêt à être publié. Il est un peu plus facile de travailler pour quelqu’un d’autre, bien que les mandats puissent prendre du retard quand des designers engagent des pairs. Jonathan Hares, à l’origine du nouveau site internet de Lineto, a travaillé dessus deux ans avant son lancement et il est encore en train de l’améliorer aujourd’hui. Les commissions cycliques confrontent les créateurs à leur besoin de réinvention. Cela peut aussi les mener à être relégués dans la niche des concepteurs expérimentaux, ce qui peut avoir un impact sur de futurs clients. Quant aux projets indépendants, ils peuvent tester la capacité des designers à maintenir leur attention et leur énergie sur un travail sur le long terme, à garder leur passion et à s’adapter aux changements des tendances et des techniques. Globalement, même s’ils sont chronophages, les longs projets sont souvent les plus importants. Les designers peuvent alors développer et affiner leur langage propre, ce qui permet souvent d’obtenir les résultats les plus intéressants. Les projets de longue haleine nous rappellent aussi que, pour que les créateurs fassent bien leur travail, ils doivent faire partie de l’équipe directrice, plutôt qu’engagés en tant que sous-traitants du département marketing.